闻一多与十四行体

闻一多为十四行体在中国的发展作出了重要贡献。他评《给玳姨娜》,在中国新诗史上最早肯定了中国十四行诗,并最早给予十四行体多种译名。他是中国诗人写作汉语十四行诗的最早作者之一,20年代中期写的五首十四行诗产生过重要影响。他最早从理论上介绍十四行体．所揭示的十四行体的艺术规律产生过重要影响。他较早参与了对欧洲十四行诗的翻译,推动了中国诗人移植十四行体。     

莎士比亚十四行诗对比分析——以第18首和第130首为例

文章以莎士比亚十四行诗第18首和第130首为例研究莎翁独特的语言艺术.莎士比亚高深的语言艺术让他的作品久盛不衰.莎士比亚的语言天赋既体现在他所创作的戏剧中,同时也体现在他的十四行诗里.多种修辞方法的巧妙运用,使他的戏剧和十四行诗读起来意味深长.     

《别了,爱》体现的英诗时代特征分析

托马斯·怀亚特是把十四行诗这种诗歌形式引入英国诗坛的第一人。他的十四行诗大多取材于彼得拉克十四行诗的精髓。他的著名诗歌《别了,爱》充分体现了皮特拉克十四行诗的写作风格,对当时文艺复兴时期的文学写作起着承上启下的作用。结合时代背景对托马斯·怀亚特的这首诗进行结构和内容上的分析,以期寻找它所体现的英国诗歌的时代文学特征。     

莎士比亚十四行诗中的基督教观念

莎士比亚十四行诗研究是莎学研究中的一个重要组成部分。莎士比亚十四行诗在歌颂友谊和爱情的同时也以文学的形式对圣经和基督教作了自己的诠释。莎士比亚十四行诗以爱、友谊、时间为重点,将基督教精神与诗中的人道主义融合在一起,才使他的十四行诗有久远的魅力。对莎士比亚十四行诗与基督教和圣经的研究是国内莎学研究中的空白,深入地探讨有助于更深刻地解读莎士比亚十四行诗。     

浅谈莎士比亚十四行诗的创作

威廉·莎士比亚是欧洲文艺复兴时期英国最伟大的戏剧家、诗人。十四行诗是莎士比亚诗歌创作的最高成就 ,他的十四行诗感情奔放 ,语言华美 ,使英国十四行诗体具有了完美的形式     

试论朗费罗的十四行诗

朗费罗的诗歌创作深受18世纪英诗影响,他的十四行诗却采用的是意大利皮特拉克诗体。朗费罗的十四行诗的主题沿袭了传统英诗中的题材,既有对人生哲学的凝视又有对自然、宗教的追求,十四行诗的情调忧郁感伤、富于宗教色彩。     

浅谈十四行诗的中国化——兼谈冯至《十四行集》

作为典型西方格律诗的十四行诗,在引入中国以后,许多现代作家和诗人都有所尝试和创作.而被鲁迅称为"中国最杰出的抒情诗人"的冯至,是其中的杰出代表之一.他的<十四行集>以成熟的中国式风格和所达到的成就为中国的十四行诗赢得了世界性的声誉.在这个过程中,他对于十四行诗的移植一直走的是一条中国化的道路.这些也正是冯至对十四行诗在中国的移植所做出的重要贡献之一.     

莎士比亚十四行诗第十八首汉译文化语境VS语篇语境

莎士比亚是欧洲文艺复兴时期的巨人,他的诗歌代表作《十四行诗集》,将当时英国的十四行诗创作推向顶峰,被誉为莎士比亚体。国内译介莎翁十四行诗的学者专家很多,本文以国内十四行诗18的汉译为本,经研究讨论得出翻译时应兼顾文化语境与语篇语境的结论。     

曹明伦译莎士比亚十四行诗全集序

莎士比亚最优秀的诗歌作品是他一生所写的十四行诗，共计154首（出版于1609年）。密尔斯在《智慧女神的女管家》（PalladisTamia，1598年出版）一书里曾提到莎士比亚的“甜蜜的十四行诗流传在他亲密的朋友之间”（“hissugaredSonnetsamonghisprivatefriends”）。关于莎翁十四行诗写作的年代，尚无定论。有些评论家认为写于1594－1596年之间。另一派意见是大部分写于1598－1603年之间。还有人认为写于莎翁创作的各时期。笔者倾向于第二种说法。莎翁十四行诗体（又称英国十四行诗作）不同于传统的意大利十四行诗体（又称被特拉克［Petrarc…     

信心 思考 拯救——约翰·弥尔顿十四行诗中表现的坚强决心

约翰·米尔顿是17世纪伟大的诗人,政治家以及英国资本主义革命的积极参与者。他与敌人斗争的坚强勇气不仅表现在他的小册子和长诗中,而且渗透于他的短诗,尤其是一些十四行诗中。文章选取了他在不同时期的三首十四行诗进行研究,指出这些诗作中表现了诗人从建立信心到最后获得拯救的过程。     

论莎士比亚十四行诗主题中的戏剧性特征--对1-126首十四行诗的戏剧元素的新解读

学史上，关于莎土比亚十四行诗集的主题存在两大争议，即主题是一个精心设计的故事还是对情感轨迹的抒情性表述；诗集中刻画的是真实的人物还是戏剧化的角色。本论证了莎土比亚十四行诗集中情节、冲突、戏剧性人物的存在，从而证实了诗集主题的戏剧化特征。     

《哈姆雷特》剧本的汉译

我国最早翻译莎翁剧本的是戏剧天才田汉，他为莎翁剧本的传入奠定了很好的基础；后来又有十多个译本，有散体，也有诗体；其中公认为最佳的是卞之琳的译本。     

纯粹审美判断的经验演绎—康德论艺术与天才

艺术分为一般的艺术和美的艺术,艺术与人为的自然有区别,与科学和手艺也不相同。真正能够称之为艺术的应是＂美的艺术＂,这是艺术与其他活动最根本、最关键的区别。康德将艺术分为机械的艺术和审美（感性）的艺术,审美的艺术又分为快适的艺术和美的艺术。美的艺术使人愉快,而且这种愉快不是私人的感官享受,而是具有普遍可传达性;美的艺术是天才的艺术,天才具有独创性、典范性、无意识性和非规则性四个特点,这四个特点正呈现了天才的质、量、关系和模态等四个方面的要素。     

中国艺术史学科的可能性、路径及艺术史学

中国艺术史学科虽然自成立以来就遭受质疑,但也不难予以合理的回应:西方的艺术史正在从艺术门类史而变得越来越具有艺术门类综合性和文化多元性;中国自身的文化、学术及艺术传统本身则具有艺术史书写的动力。中国艺术史学科的可能性来自于两方面:艺术史学科制度建立本身,中国式门类艺术汇通及古今学术汇通传统。艺术史学科路径可以有门类艺术史、宽视角门类艺术史、观念艺术史、比较艺术史、跨门类综合艺术史等。对艺术史学科路径的反思可能引导出艺术史学——对艺术史研究方法或路径的反思。中国艺术史学科可以由三个分支构成:艺术通史,跨门类、跨媒介或跨学科的艺术史,艺术史学。     

中国美术文化传统的特点

中国美术文化是独立的、个性鲜明的。中国美术传统研究的对象是：中国美术的特点及内涵。它包括从中国古典美术与中国现当代美术中提取出来的内容。由于中国美术传统源远流长,如果仅用一两个视点是很难将中国美术传统的特征揭示准确的。如以元素论为指导,可从中国美术的精神、观念、情趣、表现、观看几个维度探讨中国美术传统的特征。中国美术文化的传统特征有：为人生而美术的美术精神、圆融辩证的美术观念、情理统一的美术情趣、立象尽意的美术表现、俯仰流观的美术观等。     

印象派艺术在欧洲艺术史上的过渡性

产生于19世纪60—70年代的法国印象派艺术，处于传统的现实主义向现代派过渡的重要转折点上。印象派在艺术观点上与传统艺术一脉相承，强调艺术的真实性原则，在技法、色彩等方面则与传统艺术背道而驰，给现代艺术以直接启示，使后来的绘画艺术在视觉与审美领域产生了重大的变化。     

论竞技武术在武术发展中的作用

竞技武术是在中国传统武术基础上发展起来的,具有鲜明民族特色的竞技体育项目.竞技武术的诞生和发展不仅拓宽了中国古老武术的发展空间,丰富了武术的体育文化内涵,也推动和促进了武术运动的发展和武术文化的传播,激发了其它武术形式的开展,带动了武术在学校的发展.竞技武术对整个武术的发展起到了推动作用.     

论钢琴艺术指导在艺术表演中的作用

本文从分析钢琴艺术指导的功能特性,并将钢琴艺术指导分类,分别从声乐钢琴艺术指导、器乐钢琴艺术指导、特别是舞蹈钢琴艺术指导的功能特点进行阐述和细致的分析,强调钢琴艺术指导在钢琴表演和其它表演形式中的重要推动作用。申明钢琴艺术指导的专业规范,希望通过这些能给学习和关注钢琴艺术指导的人一些启示,也希望钢琴艺术指导的艺术地位能越来越高。     

“体验性精神需要”作为逻辑起点的可能性——关于艺术学基础理论建设的思考

艺术需要,是人类在享受视听体验、扩大生命体验的基础上,提升生命质量的特殊精神需要;它根源于物质需要和功利性意识行为。艺术需要生成艺术行为,艺术行为产生艺术作品,艺术作品构成艺术价值,艺术价值衍生新的艺术需要。以体验性精神需要为逻辑起点,艺术学基础理论就可能发挥作为其他艺术门类“基础规律”的原理功能,并具备开放性、科学性和有机性。     

What is Art in Education? New Narratives of Learning

In this paper I address some questions pertinent to the development of school art education. I begin by considering how we relate to art and how we might understand the notion of this relation in terms of human subjectivity and the art object. To do this I describe particular art practices that have broadened social conceptions of art, which in turn, become part of art itself and shape performances of understanding, learning and practice. Implicit to this discussion is a change in how artists, art practice and engagement with art are conceived. I then consider some art events in school art education and analyse how human subjects, art practices and objects are understood in this context. This leads to further remarks about how learners and practice in school art education might be discerned in the light of the preceding discussion.